Vitruvia Art Ensemble: homenaje a Duke Ellington
Martes, 7 a las 20:30
Auditorio Afundación
Vitruvia Art Ensemble es una nueva formación dedicada a explorar el repertorio del jazz. En este primer concierto de presentación, el grupo rinde homenaje a Duke Ellington, interpretando algunas de sus composiciones más representativas con un enfoque que combina respeto por el legado original y la frescura de una propuesta reciente.
Alberto Conde, piano y arreglos
Kin García, contrabajo
Miguel Cabana, batería
Hansel Luis, trompeta y fiscorno
André Outomuro, saxo alto
Diego Alonso, saxo tenor
William Pozo, trombón
Duke Ellington: Elegancia y modernidad en el jazz
Edward Kennedy “Duke” Ellington (1899–1974) es considerado uno de los compositores y directores más influyentes de la historia del jazz. Más que un simple pianista o líder de orquesta, Ellington fue un arquitecto sonoro que expandió los límites del género, fusionando elementos del blues, el gospel, la música clásica y las tradiciones afroamericanas en un lenguaje musical propio.
Desde que formó su primera orquesta en la década de 1920, Ellington destacó por su habilidad para escribir pensando en las cualidades únicas de cada músico. No solo creaba melodías memorables, sino que diseñaba arreglos que realzaban la personalidad y el timbre de sus intérpretes, transformando su big band en un instrumento colectivo y versátil. Obras como Mood Indigo (1930) y It Don’t Mean a Thing (If It Ain’t Got That Swing) (1931) marcaron la llegada de un nuevo estándar de sofisticación en el jazz.
A lo largo de su carrera, Ellington se rehusó a encasillar su música únicamente como “jazz”. Él prefería llamarla “American Music”, una etiqueta que reflejaba su visión de una tradición amplia y cosmopolita. En las décadas posteriores, compuso suites ambiciosas como Black, Brown and Beige (1943) y Far East Suite (1966), donde combinó el espíritu del swing con influencias culturales e históricas de gran alcance.
El legado de Duke Ellington no se limita a sus más de 2.000 composiciones, sino también a su contribución a la dignificación del jazz como arte serio. Con su porte elegante, su disciplina profesional y su incansable innovación, Ellington demostró que la música popular podía ser tan profunda y compleja como cualquier obra de concierto. Su influencia se extiende hasta hoy, recordándonos que la creatividad no conoce fronteras cuando se une a la maestría y la pasión.
José Valente: Explorador contemporáneo de la viola portuguesa
Martes, 14 a las 20:30
Vitruvia Club
José Valente (Porto, 1981) es uno de los músicos más innovadores de la escena portuguesa y europea. Formado en Nueva York en la New School, donde profundizó en el jazz y la improvisación, pronto comenzó a colaborar con figuras internacionales como Paquito D’Rivera, Dave Douglas y Don Byron. Su carrera combina el virtuosismo técnico con una curiosidad artística que lo ha llevado a explorar territorios poco habituales para la viola de arco, incorporando elementos del jazz, la música contemporánea, la improvisación libre y la tradición portuguesa.
Su labor no se limita a la interpretación: Valente posee un doctorado en Arte Contemporáneo por la Universidad de Coimbra, distinción que refleja su compromiso con la investigación y la creación interdisciplinaria. A lo largo de su trayectoria ha sido galardonado con varios reconocimientos, entre ellos el Premio Carlos Paredes en 2019 y la distinción Novo Talento Fnac en 2014.
La discografía de Valente refleja su espíritu explorador. Desde Os Pássaros Estão Estragados (2015), un debut aclamado por su originalidad, hasta Serpente Infinita (2018), inspirado en la poesía de Ana Hatherly, su música desafía las etiquetas y abraza la experimentación. Con Trégua (2021) dio un paso más, creando una obra inédita para viola de arco y banda filarmónica, en lo que él mismo denomina “jazz filarmónico”. Sus trabajos más recientes, como Águas paradas não movem moinhos (2022) y Quem é o José Valente (2024), profundizan en la idea de identidad musical y en el diálogo entre géneros, citando influencias tan diversas como Frank Zappa y Beethoven.
Más allá de los discos, Valente ha desarrollado proyectos que combinan música con poesía, teatro, instalación y cine, como Sonata para Viola d’Arco e Cubo Vazio, PuLso o Os figos são para quem passa. Su obra evidencia una concepción del arte como espacio de libertad, donde la tradición se reinventa y la experimentación es el motor creativo. En su trayectoria, la viola deja de ser solo un instrumento clásico para convertirse en una voz contemporánea capaz de narrar historias, desafiar expectativas y ampliar el horizonte sonoro de la música portuguesa.
De Bach a Glass: un recorrido musical a través de los siglos
Martes, 21 a las 20:30
Auditorio Afundación
De Bach a Glass es un concierto que propone un recorrido por la historia de la música, desde el barroco hasta la música contemporánea. El programa ha sido diseñado para mostrar la evolución de las formas, los estilos y las técnicas a lo largo del tiempo, ofreciendo al público la posibilidad de escuchar obras representativas de cada período.
Cada pieza se presenta de manera que se perciban sus estructuras y características fundamentales, permitiendo entender cómo los compositores han trabajado con la armonía, el ritmo, la melodía y la instrumentación en distintos contextos históricos. La selección del repertorio busca mantener la atención del público mediante un equilibrio entre contrastes y continuidades, haciendo evidente cómo la música de distintas épocas puede dialogar en un mismo espacio.
El concierto ofrece una oportunidad para escuchar la música como un proceso en constante desarrollo, en el que cada obra aporta su propio enfoque y contribuye a un panorama más amplio. A lo largo del recital, se suceden distintos intérpretes que, mediante sus interpretaciones, muestran las posibilidades expresivas de cada instrumento y cada estilo. Esto permite que los asistentes perciban tanto las diferencias como las conexiones entre los períodos y comprendan mejor la diversidad de la música clásica.
En conjunto, De Bach a Glass no sólo presenta obras seleccionadas por su relevancia histórica, sino que también permite al público experimentar la música de manera directa y dinámica, mostrando cómo ha evolucionado a lo largo de los siglos y cómo puede resultar atractiva y accesible para distintos tipos de oyentes. Es una invitación a escuchar la música en su dimensión temporal y técnica, siguiendo un hilo que une el pasado con la creación contemporánea.
Charo Quicler Big Band
Miércoles, 22 a las 20:30
Auditorio Afundación
La Charo Quicler Big Band es una agrupación musical especializada en jazz y música swing, liderada por la cantante Charo Quicler. Con un repertorio que combina clásicos del jazz americano con composiciones propias, la banda se distingue por sus arreglos dinámicos y la calidad interpretativa de sus músicos. Reconocida por sus actuaciones en festivales, teatros y eventos culturales, la Charo Quicler Big Band ha contribuido a acercar el jazz a un público amplio, fusionando tradición y modernidad en cada interpretación.
Charo Quicler, voz
Dani Vázquez, piano
Charly Drop, contrabajo
Xabi Cid, batería
Luis Peiteado, guitarra
Ricardo Formoso, trompeta y fliscorno
Pablo Añón, saxos, clarinete y flauta
Dirección arreglos y sonorización, José Somoza.
Billie Holiday, Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald: Tres voces eternas del jazz
Billie Holiday, Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald representan tres de las voces más emblemáticas y distintas de la historia del jazz. Cada una, con su estilo único, transformó la forma de interpretar esta música y dejó un legado que sigue vivo.
Billie Holiday (1915–1959) llevó el jazz vocal a un terreno profundamente emocional. Su voz, de timbre íntimo y frágil, convertía cada canción en una confesión. Obras como Strange Fruit y God Bless the Child no solo demostraron su sensibilidad musical, sino también su valentía para abordar temas sociales y personales con una honestidad conmovedora.
Sarah Vaughan (1924–1990), apodada “La Divina”, poseía una técnica vocal extraordinaria, un registro amplio y una afinación impecable. Su capacidad para combinar el lirismo con la improvisación la convirtió en una figura esencial del jazz moderno, capaz de adaptarse desde el swing más elegante hasta las complejas armonías del bebop.
Ella Fitzgerald (1917–1996), conocida como “La Primera Dama de la Canción”, fue la maestra indiscutible del swing y del scat. Su claridad de tono, impecable articulación y sentido del ritmo la hicieron brillar en cualquier contexto, desde orquestas de big band hasta dúos íntimos. Sus célebres Songbooks dedicados a grandes compositores son un testimonio de su versatilidad y su arte.
Aunque diferentes en timbre y estilo, Holiday, Vaughan y Fitzgerald comparten una herencia común: transformar la voz en un instrumento de narración y emoción. Sus interpretaciones no solo definieron una era, sino que también establecieron estándares que siguen inspirando a músicos y oyentes en todo el mundo.
Cine: Nosferartu de F.W. Murnau
Banda sonora en directo por Caspervek Ensemble
Martes, 28 a las 20:30
Auditorio Afundación
Carpervek Ensemble es un grupo de música contemporánea que se centra en la interpretación de obras de compositores actuales y en la creación de proyectos multidisciplinares. Su actividad abarca conciertos, colaboraciones con cine y teatro y la ejecución de música en tiempo real para diversos formatos artísticos.
El conjunto combina distintos instrumentos y técnicas interpretativas para abordar repertorios que exploran tanto la tradición musical como la experimentación sonora. Su trabajo se caracteriza por la precisión en la ejecución, la atención a la interacción entre intérpretes y la adaptación a distintos contextos escénicos, lo que les permite desarrollar proyectos que integran música, imagen y espacio.
Carpervek Ensemble ha participado en festivales y ciclos dedicados a la música contemporánea, consolidándose como un referente en la interpretación de obras actuales y en la promoción de nuevos compositores. Su actividad busca acercar la música contemporánea a públicos diversos mediante proyectos que articulan claridad, estructura y diálogo artístico.
Nosferatu
El Carpervek Ensemble presenta un concierto en el que se interpreta en vivo la banda sonora compuesta por Brais González mientras se proyecta la película Nosferatu. La música acompaña la acción de la película en tiempo real, estableciendo una relación directa entre imagen y sonido.
Nosferatu es una película muda de terror alemana estrenada en 1922, dirigida por F.W. Murnau. Es una de las primeras adaptaciones de la novela Drácula de Bram Stoker, aunque con cambios en los nombres y detalles por cuestiones de derechos de autor. La película narra la historia del conde Orlok, un vampiro que se traslada desde Transilvania a Alemania, llevando consigo la muerte y el terror. Destaca por su atmósfera expresionista, uso dramático de sombras y luces, y efectos visuales innovadores para la época. Con el tiempo, Nosferatu se ha convertido en un clásico del cine de terror y una referencia fundamental del cine expresionista alemán.
La ejecución en vivo permite que cada momento de la película se vea reflejado en la música, señalando cambios de ritmo, tensión y pausas y ofreciendo al público una forma distinta de experimentar la obra cinematográfica. La propuesta permite seguir la narrativa de la película al mismo tiempo que se aprecia el desarrollo de la banda sonora en directo.
El concierto combina cine y música como elementos complementarios, mostrando cómo la interpretación en vivo puede influir en la percepción de la película y generar un seguimiento más atento de la acción y el ritmo de la narrativa.